纵观 2020 至 2022 的三年，每一届 LVMH Prize 大赛中都有中国设计师的身影。不难发现，从 “中国风” 到中国设计，中国在西方构建的国际流行时尚体系中已经逐渐拥有了自己的话语权。

1977 年，从未去过中国的 Yves Saint Laurent 在巴黎时装周上推出了 “Les Chinoises” 秋冬高定系列，他将对襟、立领、盘扣、刺绣等中国元素融入设计，向世界展现了自己对于中国风的偏爱。

他曾表示，“我在设计中诠释的中国与我想象中完全一致。只需要一本书籍或画册，我就可以神游到那个地方或者融入那片景色之中...…我完全不需要去到那里，因为我在梦里已经去过千万次。”

由此可见，西方时尚中的 “中国风” 或许从来不是真实的中国，只是一个被西方塑造出来的东方梦境。对于大多西方设计师来说，他们更多的是把中国元素作为一种装饰和点缀，主要表现为图案的提取和运用，追逐表面的符号价值。

John Galliano 向来对文化历史深感兴趣，更被誉为能把任何历史时代融入服装设计的 “魔术师”。在他任职 Christian Dior 首席设计师的 15 年中，用一个又一个的系列表达了自己对中国元素的喜爱与痴迷。

到了 21 世纪，在 YSL 2004 秋冬系列中，Tom Ford 用盘扣旗袍、黄袍珠绣礼服等中国元素带来了极具 20 世纪 20 年代的上海风格。

而曾为 Tom Ford 同期执掌的 GUCCI，在 2015 年初迎来了同样对东方文化深感兴趣的 Alessandro Michele，他多次从中国传统服饰中汲取灵感，无所顾忌的运用着团扇、刺绣、山水画等经典中国元素，向世人展示着一个梦境般无需遵循逻辑的东方伊甸园。

***文化作为世界文明最早的发源地之一，上下五千年的丰厚历史向来是东西方挖掘不尽的宝藏，显然吸引了无数的设计师。虽然有部分的西方设计师对 “中国元素” 的理解停留在表面，但利弊两说，也正是因为西方设计师的偏爱，反而在有意或无意间打破了中国传统服饰的固有模式。

相对于西方从 17 世纪开始出现的 “中国风”，中国本土的 “中国风” 却晚了许多。它起步于 20 世纪 80 年代，并于 21 世纪最初 10 年才开始形成了相对独立且稳定的艺术特色。

21 世纪，本土设计师逐渐在国际时装周的舞台上崭露头角。2013 年经过法国时装公会的严格审查，劳伦斯·许成为首位登上了巴黎高定时装周的中国设计师，将中式面料工艺的传承与西式立体剪裁相结合，以 “绣球” 系列在国际时尚舞台上翻开了属于中国设计的新篇章。

对于中国设计要真正走向国际化是找到其自身的精神内核，是在现代审美观念下对于中国传统文化的不断提炼与升华——不过度使用原有的传统文化符号，也不过度迎合现代设计元素。

中医世家出生的 UMA WANG 对于中式文化的理解是内敛含蓄、不过分张扬的，于是作为国内先锋设计师品牌 UMA WANG 的每一个系列虽然主题与设计元素都不同，但都透露出 “宁静而致远” 的东方美学。

在最新的 2022 秋冬系列中，品牌以 “The Nomadic Riders” 为灵感，汲取不同游牧部落的生活习惯和文化传统，辅以一贯深沉迷人的中式禅意，展现着古老而神秘的游牧骑士。

而同样被誉为 “新中式” 标杆的 SAMUEL GUÌ YANG，在 2019 春夏系列 “the Haunted Vase” 中，以中国古代瓶器为出发，融入对襟盘扣等中国元素，勾勒出了女性花瓶般凹凸的身形轮廓，带我们走近上世纪八九十年代杰出的中国女性。

巧妙运用或完全抛开中国元素，越来越多中国设计师开始有了自己的坚持和选择，明白 “中国风” 是植根于民族血液中，而不用多加笔墨的重复描述。

在很大程度上，经济全球化对于世界各地的本土和民族文化是一把双刃剑，与之伴随而来的国际时尚系统会挤压和侵蚀本土时尚审美的发展，模糊本土文化的内涵以及阻碍本土文化的创新能力。

中国设计想要在国际舞台上持续发展需要的是在传统文化的基础上不断突破与创新，避免文化符号的简单依靠，而是用坚实的内在设计逻辑去向世界展现中国设计中独有的东方精神。

相信不在不久的将来，国人乃至世界，会对 “中国风” 有一个全新的理解。

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